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TAKUYA KATO GANA LA LUNA DE VALENCIA AL MEJOR LARGOMETRAJE CON “FLY ON”

A través de la negación de mi protagonista, quería hablar de la tendencia en la sociedad japonesa actual de mirar hacia otro lado”

El director japonés Takuya Kato se ha llevado el Premi Luna de València en el Festival Cinema Jove con su segundo largometraje, ‘Fly On’. Este drama intimista, cuya banda sonora firma la cantautora nipona Eiko Ishibashi (‘Drive my car’, ‘La espada del inmortal’) está protagonizado por Watako, una mujer que acaba de perder a su amante en un accidente de tráfico en Tokio. De inmediato decide enterrar el trauma de esta tragedia y continuar con su vida junto a su marido, pero a pesar de sus intentos por aparentar normalidad, la pérdida de Kimura le ha dejado una huella profunda.

– ‘Fly On’ es tu segundo largometraje, eres cineasta, pero también dramaturgo y director de teatro.

– Es cierto que suelo trabajar principalmente para teatro, donde escribo y dirijo. ‘Fly On’ es el segundo largometraje que he realizado y hasta ahora mi experiencia teatral ha sido mi principal actividad. En el futuro me gustaría poder seguir haciendo ambas cosas en paralelo. Se podría decir que el teatro y el cine tienen en común que permiten mirar dentro de espacios normalmente privados, a los que generalmente no se puede acceder a menos que se te invite.

 

– ¿Qué te hizo elegir el cine en lugar del teatro para contar la historia de Watako?

– Este personaje lo desarrollé en ambas disciplinas en paralelo, ya que también escribí una obra de teatro en la que hay un personaje llamado Watako. Es un poco diferente de la Watako de la película, pero sigue siendo un personaje que he madurado durante bastante tiempo.

– ¿Qué le pasó a la otra Watako?

– En la obra, Watako se siente culpable por la muerte de su amante, incluso se supone que ella lo mató. La obra y la película son dos caras de una misma historia. El título japonés de la película significa “desentrañar”, y el título de la obra significa “enredarse”. Al inicio de este proyecto, me pregunté sobre la etimología de la palabra enredo. Visualicé este espacio en el que hay dos trayectorias que convergen y se cruzan hasta que ya no se pueden desenredar. La cuestión era cómo desenredar esta complicada situación. Sin embargo, para desenredar las cosas tendríamos que ser capaces de dar marcha atrás, pero continuando exactamente la trayectoria que hemos seguido hasta entonces. No podemos desviarnos ni un paso, sino nos enredaremos nuevamente en otro lugar. Podemos aplicar esta noción a nuestras vidas. La gente de mi generación, a veces, tiene la impresión de que podemos ser expulsados de la sociedad si cometemos un solo error. Existe una presión perpetua, una elección que nos vemos obligados a tomar constantemente. Tienes que tomar la decisión correcta o corres el riesgo de que te hagan a un lado. Watako decide tener un amante, pero después de su muerte se ve obligada a decidir qué sucederá a continuación: debe elegir si es una buena idea o no quedarse con su marido y por qué. Todas estas opciones a las que nos enfrentamos me interesaron y por eso quería tratarlas de dos maneras diferentes.

– Se agradece encontrar en ‘Fly On’ varias caras conocidas del cine de autor japonés contemporáneo: Haru Kuroki, Shota Sometani, y en el papel principal, Mugi Kadowaki. ¿Qué motivó tus elecciones de casting?

– Elegí a cada actor personalmente. El hecho de que ya fueran famosos, que su rostro resultara familiar a la audiencia o que hubieran actuado en películas que habían circulado en festivales extranjeros no fue un criterio en absoluto. La elección se basó en su actuación y en su capacidad de florecer en mi película. Para mí era importante que el público pudiera identificarse con ellos o reconocer características de las personas que conocen. Quería despertar una cierta familiaridad entre los espectadores y los actores.

En Japón, siempre tendemos a endulzar las cosas, incluso cuando hablamos con amigos o a personas que nos son bastante cercanas. Solemos atenuar los comentarios para no herir al otro o socavar su integridad, y creo que esto es bastante específico de la cultura japonesa. De modo que elegí personajes que pudieran encarnar esta especificidad.

 

– El trabajo sobre la luz y los decorados, a la vez elegantes y casi fríos, contribuye a traducir en imágenes esta noción de moderación. ¿Puedes contarnos más sobre estas opciones estéticas?

– Elegí cada ubicación para el rodaje teniendo en cuenta el montaje de cada plano, también tuve en cuenta la elección del formato de imagen, la elección del objetivo y la distancia entre la cámara y el sujeto filmado. Me cuidé de dar la impresión de que somos espectadores de la intimidad de esta joven y de los personajes en general. Por eso era importante que no nos acercáramos demasiado a ella.

Es cierto que puede parecer bastante frío, pero consideré que esa distancia era importante, porque debía permitir al espectador plantearse a su vez la pregunta de qué siente. Generalmente, cuando hay una emoción en una película, la cámara tiende a acompañar, a estar cada vez más cerca de la persona que está filmando. Me aseguré de mantener una cierta distancia para que el espectador tuviera espacio para hacerse preguntas, para preguntarse qué podría estar pensando el personaje. El comportamiento de las personas es impredecible; nunca podemos anticipar con certeza las decisiones que tomarán. Estas elecciones de puesta en escena corresponden de alguna manera a este estado de ánimo.

– La historia de Watako es trágica, pero esta moderación hace que ‘Fly On’ nunca se parezca a un melodrama clásico. ¿Qué te interesó de esta paradoja?

– Es cierto que la cuestión del melodrama no se me pasó por la cabeza como tal. Cuando escribí esta película tenía en mente los tres polos que, para mí, estructuran generalmente a las personas y sus reacciones. Por un lado, lo que piensan; por otro, su forma de actuar; y finalmente, lo que dicen. Estas son tres cosas que a menudo son muy distintas al principio. Su convergencia es algo bastante complejo e impredecible, y esto es lo que verdaderamente constituirá a los personajes. Traté de plasmarlo con la mayor precisión posible.

– Como guionista, ¿cómo te aseguraste de mantener el equilibrio ideal entre mencionar lo suficiente y no decir demasiado?

– Creo que fue una cuestión de sentimiento. Yo diría que entre los japoneses existe la noción de una línea a la que podemos acercarnos dependiendo del grado de intimidad, pero que es mejor no cruzar. Todos tenemos instintivamente la noción de lo que podemos decir o no, de hasta dónde podemos expresarnos. ¿Qué puedes decirles a tus seres queridos, a tus amigos o a un marido al que eres más o menos cercano en el momento en que se desarrolla la historia? Estas son las preguntas que tenía en mente al escribir. En general, el texto que hacemos decir a los actores suele ir acorde a las emociones vividas por los personajes. Pero quería elegir otro recurso: centrarme en lo que los personajes dirían en esta situación en lugar de en lo que realmente sienten.

– Este desfase evoca las diferentes escenas de ‘flashback’, que nunca se anuncian inmediatamente como tales, por lo que solo después de un momento nos damos cuenta de que ya no estamos en la misma secuencia. ¿Qué motivó esta elección de escritura?

– Traté los ‘flashbacks’ adoptando el punto de vista del personaje de Watako. Depende de la evolución de sus sentimientos que estos se incorporen o no. Esto puede causar confusión sobre dónde nos encontramos en la historia, pero confié en ella como hilo conductor. En cualquier caso, ésta es la estructura que tenía en mente al escribir el guión. Tomemos, por ejemplo, esta escena del aeropuerto al comienzo de la película. El marido está allí para arreglar algo, pero la mente de Watako se escapa, como si intentara huir de algo. Aquí es donde su amante vuelve a entrar en escena. Quería que la escritura transmitiera exactamente cómo viene a la mente el recuerdo.

 

– En la primera secuencia, Watako está sola en pantalla mientras escuchamos en off una voz masculina que no sabemos si es la de su marido o la de su amante. ¿Por qué elegiste abrir la película con esta ambigüedad?

– En esta secuencia inicial, quería que solo viéramos a Watako porque, realmente, la película se va a construir alrededor de ella. Watako es un personaje que está en negación, que finge no ver muchas cosas, como que la relación con su marido se está desmoronando, o que su suegra les pregunta por qué no hacen. algo. Estas son todas las realidades que Watako se niega a ver. Quería que en este plano inicial ya pudiéramos percibir esa negación de la que ella poco a poco se irá soltando.

 

– Cada personaje de ‘Fly On’ tiene su propia forma de hablar y expresar o no lo que siente. El marido de Watako es especialmente directo, pero sus frases son tan frías que al final no expresan nada íntimo. ¿Cómo te acercaste a su ¿diálogos?

– En mi opinión, el marido de Watako es una persona muy estratégica, intenta tener control sobre ella. Para ello, siempre intentará buscar formas de controlarla sin que ella se dé cuenta, intentando encontrar fórmulas que ahoguen al pez. Por ejemplo, en la escena en el pasillo, le gustaría intentar arreglar las cosas, mejorarlas. Le gustaría proponerle una cita romántica, pero en lugar de tomar la iniciativa de frente y decirle “Me gustaría llevarte a tal o cual lugar”, le pregunta: “Hay un lugar donde te gustaría ir?» Esta fórmula tortuosa, que elude los objetivos principales de su pregunta, es una forma de tomar el control. En la escena del aeropuerto, en lugar de decir “Podríamos almorzar juntos”, dice “¿Qué hacemos después?”. Esta forma de expresarse haciendo que los demás elijan es una forma de tener poder sobre los demás.

– Entre todos los personajes de la película, ¿hay alguno que, en tu opinión, consigue desenvolverse mejor y expresar sus sentimientos de una forma más sencilla que los demás?

– No (risas). Por ejemplo, la amiga de Watako nunca le dice cara a cara lo que realmente piensa sobre la relación con su amante. En cuanto al padre de este último, siente una especie de frustración e inquietud por la situación. Cuando le pide permiso a Watako para hablar de ella con la esposa de su hijo, no piensa ni en el bienestar de esta última ni en el de Watako, piensa en sí mismo. De modo que sí, en mi película todos los personajes tienen un problema de comunicación.

– Al igual que la primera secuencia, el final también resulta ambiguo. ¿Dirías que es un final feliz?

– Sí, para mí es más bien un resultado optimista, ya que Watako termina aceptando enfrentar las cosas que antes intentaba evitar. Finalmente se siente preocupada por lo que está viviendo. Tomar las riendas de tu vida, para mí, es necesariamente positivo. Esta noción de sentirse preocupada o no por las cosas evoca la noción de melancolía definida por Freud. Comparó esta “pérdida de la capacidad de amar lo que nos rodea” con una especie de duelo, que recuerda el viaje de Watako. Cuando imaginé el personaje de Watako, pensé que la razón por la que mostraba tal desapego era por miedo a ser lastimada. Abrir las compuertas de los sentimientos significaría tener que afrontar la profundidad de su dolor. Esto es común entre los que quieren protegerse. La cuestión que quería abordar a través de esta película es la cuestión de la responsabilidad, el hecho de sentirnos afectados o no por los acontecimientos que vivimos. Creo que en Japón hay una gran tendencia a pensar que no nos preocupa, que no nos concierne, lo que está sucediendo más allá de nosotros. A través de la negación de Watako, quería hablar de esta tendencia en la sociedad japonesa actual de mirar hacia otro lado, de no querer ver las cosas cara a cara. Creo que son estas pequeñas historias individuales las que nos permiten hablar más ampliamente sobre la sociedad. La pérdida también es un tema que quería abordar, pero la cuestión de la comunicación fue especialmente central para mí. La cuestión del verbo, de la palabra, también fue muy importante. ¿Puede el diálogo ayudar a resolver problemas? ¿Puede el hecho de que los dos cónyuges tengan una conversación ser suficiente para arreglar las cosas entre ellos? Ambos toman la decisión de permanecer juntos o no, pero ¿será esta discusión la que les permitirá ser felices? ¿Es la conversación la mejor manera de resolver problemas? Personalmente, me cuesta creer que una conversación pueda resolverlo todo, porque para comunicarse verdaderamente con alguien se necesita un razonamiento intelectual coherente, es necesario poder razonar de manera constructiva. A veces nuestro razonamiento es bueno pero no siempre acorde con nuestros sentimientos. En este caso, ¿es mejor privilegiar el razonamiento antes que los sentimientos o todo lo contrario? Me resulta difícil encontrar convergencia entre los dos.

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EL ARTE VALENCIANO Y SUS MECENAS

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